Rock del Siglo XX

Documentación Informativa. 5ª práctica.

2010-06-24T23:30:00.001+02:00

Este blog será la 5ª práctica de la asignatura Documentación Informativa.

Las componentes del grupo somos:

Ana Román

Marta Sanchez

Carmen Domingo

Laura Perdices

El tema elegido para tratar en este blog de la última práctica del curso es el "Rock del siglo XX".

Hablaremos de sus orígenes, su evolución y los distintos estilos que se han formado y el panorama rock actual desde distintas bandas de este género. Dada la gran variedad de estilos y grupos existentes dentro del rock no podremos abarcar todos ellos pero si dar a conocer un poco más esta música.

ROCK AND ROLL. Orígenes.

2010-06-24T23:20:00.003+02:00

El rock es un género musical contemporáneo encaminado a englobar cada uno de los diversos géneros musicales derivados del rock and roll. Suele interpretarse, entre otros muchos instrumentos que ocasionalmente se adicionan, con guitarra, batería, bajo y ocasionalmente, instrumentos de teclado como el órgano, el piano, o los sintetizadores.
El primitivo rock se deriva de gran cantidad de fuentes, principalmente blues, rhythm and blues y country, pero también del gospel, jazz y folk. Todas estas influencias combinadas en una simple, estructura musical basada en blues: «rápida, bailable y pegadiza»

Orígenes musicales: Jazz, blues, soul, country, R&B,Gospel
Orígenes culturales: Años 1950 en Estados Unidos.
Instrumentos comunes: Guitarra acústica, bajo, batería, guitarra eléctrica, sintetizador, teclado.

La música rock tiene sus raíces en la era del rock and roll y el rockabilly de los años 1950.Chuck Berry, Bo Diddley y Little Richard, el rock eminentemente "negro".
A finales de los años 1960, la música rock se combinó con la música folk para crear el folk rock, con el blues para crear el blues rock y con el jazz, para crear el jazz-rock fusión, y sin una marca de tiempo para crear el rock psicodélico. En los años 1970, el rock incorporó influencias del soul, el funk, y la música latina. También en los años 1970, el rock desarrolló varios subgéneros, como el soft rock, el hard rock, el rock progresivo, el heavy metal y el punk. Los subgéneros del rock de los años 1980 incluyen el new wave, el new romantic, el glam rock, el synth-rock, el hardcore punk y el rock alternativo. Los subgéneros del rock de los años 1990 incluyen el rock estilo grunge, el britpop, el indie rock, el piano rock.

En la década de 1950, en Estados Unidos, los adolescentes buscaban nuevos sonidos, nuevas sensaciones. Por primera vez, una música se dirigía directamente a ellos: el rock and roll.
En tiempos de la esclavitud en los Estados Unidos las comunidades negras desarrollaron un potencial musical en el que predominaban los cánticos religiosos y ritmos propios que marcaban los días de trabajo en las diversas plantaciones que habitaban en aquel entonces. A nivel musical la influencia de los ritmos y sonidos africanos se hacían presentes generando en un estilo propio y diverso que luego se materializó en el blues, el cual se convertiría en el ingrediente musical que más tarde revolucionaría la música a nivel mundial. Por otro lado también la influencia de los músicos blancos a través del género musical denominado country y la aparición de la guitarra eléctrica daría nacimiento a lo que se llamó rhythm and blues, padre del rock and roll. Uno de sus precursores fue Muddy Waters en 1949.

El término rock and roll empezó a utilizarse para aminorar musicalmente el popular ritmo rhythm and blues, el cual denotaba en demasía las luchas raciales para la época, y aunque en esencia los dos géneros musicales representaban lo mismo, se quiso diferenciar uno del otro para dar paso a los cantantes blancos y a la música que no mencione el conflicto racial.

Hay quienes datan su origen en 1954, con el trabajo discográfico de Bill Haley y su grupo Bill Haley and the Haley's Comets, especialmente con Crazy man crazy (1954) y su gran éxito Rock Around the Clock (1955), que tanta influencia tendría en John Lennon. Otros consideran como creador a Little Richard o a Elvis Presley y eligen también como fecha del comienzo del rock and roll a 1954, año en el que Presley editó su primer disco. Entre los músicos destacados de la época se pueden citar a Jerry Lee Lewis, Little Richard, Bo Diddley, Fats Domino, Buddy Holly, Eddie Cochran, y Gene Vincent entre otros.

A partir de los años 60 tuvo un importante desarrollo y evolución que se expresó a través de gran cantidad de bandas, de ritmos y de estilos que lo convirtió en un fenómeno cultural y musical que se extendió alrededor del mundo. Consiste en una conjunción rítmica que se cimenta esencialmente sobre la música negra. Su popularización sirvió para que muchos músicos pudiesen expresarse y llegar a difundirse en medios locales y nacionales.

En adelante mostraremos algunos de los grandes grupos de la historia del rock que muestran su evolución a lo largo del tiempo:

ELVIS PRESLEY

En la USA post-guerra,(década de los 50) el país se encontraba resentido y se empezaban a vislumbrar nuevos conflictos como la Guerras de Corea y Vietnam , el estado había comenzado a perder su integridad, y la sociedad empezaba a tomar un pensamiento más conservador, que producía una detención en las artes y en la libertad de expresión.

La juventud se empezó a desilusionar, al darse cuenta que para la sociedad no eran más que simples proyectos de adultos, que tenían que obedecer a los mayores. Por lo que comienza a aparecer un nuevo sentimiento dentro de la juventud, la libertad , y unos rasgos de identidad capaces de transmitir un mensaje que manifiesta los ideales de una juventud descontenta con su futuro y con el "mundo ideal" que los mayores presentan .

El rock surge como un movimiento contracultural de los jóvenes y para los jóvenes, donde pudieran expresar sus disconformidades, sus ideas y sus esperanzas; y probar que no son sólo simples proyectos de hombres , sino que son presente y tienen mucho que aportar.

Los objetivos del rock y de la juventud no se hubiesen concretado sino hubiera existido algún hombre capaz de ser su imagen, y representar al joven insatisfecho, rebelde, marginal e incomprendido de la sociedad, que tanto querían denotar. Elvis Presley fue el ídolo de multitudes de jóvenes que vieron personificados en él, al rebelde blanco que alcanza el irrenunciable sueño americano: triunfar. Elvis transmitía inconformista ansia de rebelión y juventud. Él fue una imagen, el remozado símbolo de la juventud, el carisma de la " Gran América". Elvis Presley sin lugar a dudas fue un fenómeno de masas que trastornó la vida y los ideales de América y le enseño al mundo un nuevo grupo social con ideas y características propias: los jóvenes. Así, Elvis llegó a ser una verdadera leyenda.

THE BEATLES

Estos chicos de clase media de Liverpool en sus primeros años se dedicaron ha componer canciones cuyas letras hablaran más bien de relaciones juveniles, romances juveniles dirigidas a jovencitas con espinillas las cuales veían a estos músicos como su príncipe azul. Todo este fenómeno se llamó "Beatlemanía", lo que producía una avalancha de muchachas llorando en cada presentación del grupo. En ese entonces los Beatles vendían millones de discos, ganaban millones de dólares, los conocían en todo el mundo, es decir, cumplían el sueño de cualquier muchacho de la clase media inglesa.

Pero no sólo fueron un fenómeno musical, sino también en el aspecto social. El tema principal en sus letras era el amor, el cual lo simbolizaban como la fuerza que haría un mundo mejor, "Todo lo que necesitas es amor" decían en "all you need is love". La relación de pareja era su tema preferido, componiendo canciones capaces de emocionar a cualquiera, lo que identificaba a cualquier ser humano que hubiese amado o estuviese enamorado. También The Beatles en su etapa de psicodelia nos invitó a soñar en mundos inverosímiles, a salirnos del mundo real y dejarnos llevar por la fantasía, por la magia, como cuando éramos niños. Tampoco escaseaba en sus líricas una crítica a la sociedad, un consejo para mejorar el mundo en que se vivía, como en "Revolution" donde les decían a los jóvenes que protesten pero sin violencia, o "Nowhere man" donde invitaba al hombre a ser protagonista dentro de su sociedad, o en "A day in the life" donde criticaban la morbosidad con que se miraba la tragedia humana

Los Beatles hicieron más que ningún otro artista conocido, logrando que por primera vez el mundo viviera en una singular armonía. Durante ocho años se dijo que ni un sólo instante había dejado de sonar una canción suya en algún rincón del planeta. Cualquiera de sus éxitos podía ser oído al mismo tiempo por unos chicos de Roma, de Hiroshima, de Texas o de Santiago. Muchachos de diferente cultura, nivel social y hasta creencias religiosas o políticas. La música de los Beatles fue la primera que unió a todos. Los integrantes de la llamada generación de la posguerra, los primeros que crecieron o nacieron libres de los fantasmas del pasado, encontraron en la música el vehículo más afín a sus necesidades y ansiedades, y también el lenguaje más universal, una forma de ser, de vestir, de pensar y de existir. Así fue entonces y, pese a los muchos cambios producidos por el devenir de los tiempos, así sigue siendo en la actualidad.

THE DOORS

Todo era paz y amor. El fenómeno hippie marco una época de transición. Aparecen el primer disco, dándose a conocer con toda la energía, y el dote que caracterizaba más a este nuevo grupo, que era el de usar termino vinculados a la literatura de Artaud y su teatro de crueldad. Y por adaptar canciones de Bertlot Brech y Kent Weill.

Sin embargo, esto los catapulto a la fama, y atrapó la molestia muchos adolescentes que afrontan en un entorno trágico y definitivo, un clima de lucha generacional. En contraste con las tediosas rendiciones de la vida desenfrenada y “ genuinamente americana”, que numerosos grupos pretenden seguir a través de su música.

Es obvio que los hippies reprochan a Morrinson, debido a su constante y desordenada incitación al descontento, a la revuelta y a la sexualidad libre. Es así como se produce un notorio contraste entre dos generaciones distintas, marcadas por la presencia de estilos de música en general. Como lo son la época hippie y el entonces llamado rock.

SEX PISTOLS:

A principios de los 70' , Inglaterra se hallaba en una crisis económica que agudizó las desigualdades sociales y condujo a la frustración y el desempleo a una gran parte de la población, pero afectando en especial a los jóvenes, produciéndose un descontento generalizado. Por otra parte en New York, se había empezado a generar un movimiento estético, de propuestas caóticas y transgresoras , donde los jóvenes osaban a vestirse con camisetas y medias de rejilla rasgadas, botas militares, correas, adorno violentos, cadenas, y collares de perro. Tanto en Inglaterra como en New York, se empezaban a ver rasgos de una juventud irreverente , marginal y provocadora ante los demás. Ante tal movimiento, el rock comienza a cambiar. Los jóvenes empiezan criticar a los astros del rock, al verse tan alejados de los que tendrían que ser sus representantes. Pero todo esto cambia cuando aparece Sex Pistols, un grupo inglés formado por tres jóvenes marginales, y enojados . Que a través de su música reflejan a una generación que no estaba de acuerdo con el sistema queriendo construir su propio mundo, su mundo propio perfecto. Con Sex Pistols nace una visión renovadora e inconformista del rock, el Punk Rock.

Sex Pistols enseñó al mundo que con algo que criticar podía existir una canción. Su música provocaba rebeldía , incitaba al anti-sistema y privilegió esa acción y actitud de “do it yourself”, hazlo tu mismo, de hacer las cosas sin esperar que otros las hicieran por ti. Sus venenosas letras siempre significó problemas con el estado y la censura de sus discos. Sex Pistols fue el glamour del punk, y el punk se transformó en un movimiento con entidad propia que prometía innovaciones impredecibles. El desprecio a la musicalidad convencional, críticas reivindicativas y radicalizadas en el plano político y nihilista en el plano personal, produjo un movimiento marcado por la espontaneidad y el afán de ruptura.

Carmen Domingo/ Ana Román

Groupies...hacen lo que sea por entrar al camerino...

2010-06-24T23:11:00.008+02:00

Las groupies forman parte indisoluble de la historia del rock and roll, una historia llena de sexo, escándalos, drogas y excesos que lleva fascinando al público desde el nacimiento de este estilo musical con el que vino parejo el fenómeno fan.
Los sesenta fueron la década de la revolución sexual para una generación de jóvenes que aprovecharon el fin de la censura, el auge del movimiento feminista y el descubrimiento de la píldora para experimentar una libertad nunca antes soñada.
En medio de ese clima de permisividad las bandas de rock se erigen en nuevos gurús de una juventud sedienta de mitos. Las quinceañeras, que acababan de descubrir el poder de seducción de la minifalda, ya no se conformaban sólo con discos autografiados, el premio gordo era compartir cama con sus ídolos.

La mayoría de ellas no pasaron de un encuentro efímero en una habitación de hotel, pero otras establecieron relaciones más profundas y hasta siguieron a las bandas en sus giras de conciertos como un miembro más de la troupe. A este grupo pertenecen dos de las groupies más célebres de la época: Marianne Faithfull y Anita Pallenberg.
Estas dos amigas se movían como pez en el agua en las fiestas Vip, Marianne era cantante y Anita modelo y actriz, aunque por lo que alcanzaron fama fue por su turbulenta relación con los Rolling Stone. Anita era novia de Brian Jones, estuvieron juntos varios años hasta que en 1967 durante un viaje a Marruecos, Anita, cansada de los desmanes con las drogas de Jones, le abandona por Keith Richards, con quien regresa a Londres dejando a su novio en Marruecos.
Brian Jones jamás perdonó a su compañero de banda la traición, apenas dos años después murió ahogado en su piscinas en extrañas circunstancias.

La pasión de Anita por Richards duró años, hasta en el rodaje de Performance se cruzó en su camino Mick Jagger, con quien tuvo un affair que fue grabado y expuesto en un festival de cine porno en Amsterdam. Richards dejó de hablar a Jagger por un tiempo pero siguió enganchado a Anita. La gota que colmó el vaso fue el suicidio de un chico de 17 años en la cama de Anita, el joven se pegó un tiro con la pistola de Richards mientras éste estaba en Paris dando un concierto.De las relaciones de Anita con los Rolling nacieron canciones tan emblemáticas como Sympathy for the devil, Happy, o Beast of burden.

Marianne Faithfull por su parte era hija de una familia rica, entre sus antepasados figura el escritor Leopold von Sacher-Masoch, de cuyo apellido deriva la palabra masoquista, de joven pasó por un convento pero pronto sustituiría los hábitos por la música, las fiestas, la heroína y Mick Jagger, de quien fue novia oficial hasta que éste decidió sustituirla por Bianca Pérez. Ella tampoco perdió el tiempo, además del cantante de los Stones, compartió lecho con Brian Jones, Jimi Hendrix, Keith Richards y Jeremy Clyde. Tras un época oscura, Marianne superó su adicción a las drogas y ha conseguido grandes éxitos como cantante y actriz, en 2008 publicó su último disco Easy come, easy go.

Otro nombre mítico entre los mentideros del rock fue el de Bebe Buell, cuya historia inspiró el personaje de Penny Lane en Casi famosos. Nombrada Playmate del año, en su agenda de conquistas figuran Iggy Pop, David Bowie, Mick Jagger, Jimmy Page, Rod Stewart, Stiv Bators,

Elvis Costello, John Taylor y Steven Tyler, con quien tuvo a su hija Liv Tyler.

Y no podíamos cerrar una antología de las groupies más famosas sin mencionar a Pamela des Barres. Esta pelirroja de Kentucky comenzó su carrera de groupie con Jimmy Page, guitarrista de los Led Zeppelin, al que siguieron Jimi Hendrix, Eric Clapton, Jim Morrison, Mick Jagger o el actor Don Johnson entre otros.

A mediados de los 70 Pamela era ya una vieja gloria de Sunset Strip, como muchos de los ídolos del rock que habían pasado por su cama, hastiada decidió probar suerte como actriz y sentar la cabeza casándose con Michael Des Barres, cantante de los Silverhead. Tras su paso fallido por la industria del cine y por las páginas de Playboy, Pamela escribió sus memorias como groupie en un libro titulado IÂ´m with the band, que pronto se convirtió en un best seller. A día de hoy sigue escribiendo para diferentes publicaciones y todavía se deja caer por algún que otro concierto, acompañada de músicos veinte años más jóvenes…
Eran otros tiempos, en los que la amenaza del SIDA no existía y la música era una forma de transgresión más que un negocio. Hoy las historias de aquellas groupies, liberales y melómanas, nos traen recuerdos de una época lejana, llena de sexo, drogas y rock and roll.

Marta Sánchez

Los Grandes Festivales del Rock & Roll

2010-06-24T15:53:00.000+02:00

Hoy en día existen numerosos festivales dedicados a la música Rock, Pop, Heavy y sus estilos derivados, pero en el último siglo del Rock & Roll destacaron tan solo unos pocos, que marcaron historia.

Dichos festivales fueron famosos y crearon un antes y un después en los conciertos de Rock & Roll, ya que fueron pioneros en reunir a los más importantes artistas de la época en un mismo recinto, ofreciendo a sus fans la oportunidad de relacionarse y en ocasiones, de defender su ideología, como sucedió en varios de estos festivales con los Hippies.

Los nombres de los tres grandes festivales son: Monterrey Pop Festival, Woodstock Festival, y Rock in Rio.

El Monterreyy International Pop Music Festival se llevó a cabo del 16 de junio a 18 de junio de 1967. Más de 200.000 personas asistieron, y es a menudo considerado como el precursor de Woodstock . El LSD fue muy abundante en el evento bajo el nombre de "Purple Monterey".

Celebrado en el Monterreyyy County Fairgrounds en Monterey, California . El festival fue planeado por John Phillips de The Mamas and The Papas, productor Alan Pariser, publicista y Derek Taylor. El festival incluyó, en su lista de artistas, a los miembros de The Beatles y The Beach Boys.

San Francisco fue el epicentro de la "contra-cultura». Los jóvenes viajaron allí a vivir un estilo de vida alternativo destinado a aumentar la libertad personal, viviendo en armonía colectiva. Esta transformación de los ideales y la vida se exploró a través de psicodelia de luz, arte, música y drogas, como marihuana y LSD. The Monterey Pop Festival se incorporó al estilo de vida de San Francisco y la contra-cultura y es generalmente considerado como uno de los inicios de la "Summer of Love" en 1967.

Los artistas tocaron de forma gratuita y la totalidad de los ingresos fue donado a caridad, con la excepción de Ravi Shankar, a quien se le pagó $ 3000 por su larga estadía en el desempeño de presentar a los músicos. Más de 200.000 personas asistieron al festival. Reservar un lugar costaba US $ 6,50 por cada noche de presentación, mientras que la entrada al campo adyacente tenía un costo de $ 1,00.

Sus artistas principales:

El festival de Monterey se convirtió en leyenda también porque fue una de las primeras grandes apariciones de Jimi Hendrix en Estados Unidos (fue incluido en el cartel por la insistencia de los miembros de los consejos de Paul McCartney) Aunque apenas era conocido en Estados Unidos, pese a haber tocado en varios grupos en los años 60, en apenas treinta minutos puso al público en pie. Hendrix utilizó todas sus armas para ello, tocando acordes con los dientes, con la guitarra sobre su espalda, y al final de la actuación ofreció su guitarra en ritual, la prendió fuego en pleno escenario, la rompió y arrojó sus restos a la multitud. Era la primera vez que en Estados Unidos se veía un espectáculo así. Fue uno de esos momentos que cambiarían el mundo del rock para siempre.

The Who , aunque se trataba de una gran grupo proveniente del Reino Unido, querian ser ellos quienes cerraran con broche de oro; Monterrey fue el concierto que propulsó a The Who hacia el público estadounidenses.

Monterey Pop fue también una de las primeras grandes actuaciones públicas de Janis Joplin, y su grupo Big Brother and The Holding Company. Janis Joplin hizo una provocativa versión de la canción Ball and Chain. "Me convertí en un partidario del feminismo viendo a Janis Joplin en el Festival de Monterrey", dice John McCleary, autor de El Diccionario Hippie. "Mucha gente tiene experiencias similares mirando modelos de mujeres con ese tipo de poder, sin miedo de expresarse sexualmente al mismo tiempo que exigen sus derechos."

Monterey fue la primera vez en que el cantante de soul Otis Redding se presentó ante una audiencia predominantemente blanca en su país natal. Su electrizante actuación fue destacada en la película y desde entonces se ha convertido en legendaria.

Monterey fue el primero ampliamente promovido festival de rock en el mundo (el primer festival de rock fue la Feria Fantasy & Magic Mountain Music Festival en la cumbre del monte Tamalpais en el condado Marin de junio 2-3) y se convirtió en el modelo para las futuras fiestas, sobre todo Woodstock El festival fue objeto de una aclamada película documental titulada Monterey Pop de DA Pennebaker.

El festival inició la carrera de muchos de los que actuaron allí, haciendo a algunas de ellas prácticamente estrellas de la noche a la mañana.

El predecesor y discípulo del Monterry Pop Festival sería el Woodstock Festival, tuvo lugar en una granja de Bethel, Nueva York, los días 15, 16 y 17 de agosto de 1969. El festival tiene el nombre de Woodstock porque inicialmente estaba programado para que tuviese lugar en el pueblo de Woodstock en Ulster County, Estado de Nueva York.

Congregó a 500.000 espectadores, la organización esperaba 60.000, y se estima que 250.000 no pudieron llegar, la entrada costaba $6 dólares americanos de la época para un solo día.

Woodstock se convirtió en el icono de una generación de estadounidenses hastiada de las guerras y que pregonaba la paz y el amor como forma de vida y mostraban su rechazo al sistema, por lo tanto, gran parte de la gente que concurrió a dicho festival era hippie (realmente ellos no se designan así, sino que así fue como los denominaba la gente).Este festival fue un movimiento que se desarrolló en los Estados Unidos durante la década de los 60, en la cual los que concurrían llevaban melena y amuletos, las chicas faldas de colores; sus símbolos eran la bandera del arco iris, y el llamado símbolo de la paz.

Los "hippies" estaban en contra de la guerra de Vietnam, por lo que Jimi Hendrix tocó el himno estadounidense con sólo una guitarra eléctrica durante el festival para demostrar que, aunque estuvieran en contra de la política militar de su país, seguían siendo estadounidenses, ya que algunos los tachaban como un movimiento Anti-Estados Unidos. Sus ideales eran, aparte del pacifismo, el amor libre, la vida en comunas, el ecologismo, y el amor por la música y las artes; se llegó a creer que habían dejado de existir ya que desde el Verano del Amor de 1967 y Woodstock tendieron a evitar publicitarse.

Durante el festival se vivieron intensas noches de sexo y drogas, destacando el consumo de LSD y Marihuana; todo esto aderezado con música rock. Aunque inicialmente el concierto se organizó pensando que conllevaría pérdidas para la organización, el éxito del documental sobre el evento hizo que finalmente resultara un acto rentable.

Sus principales artistas fueron: Simon and Garfunkel, Santana, Janis Joplin, The Who y Jimi Hendrix.

Y por último, el más reciente y aún en pie de los festivales de Rock que marcaron el siglo XX: Rock in Rio.

Rock in Rio es una serie de festivales de rock y pop organizados por el empresario Roberto Medina. Las tres primeras ediciones del festival fueron en Río de Janeiro (en 1985, 1991 y 2001).

La primera edición del festival se celebró entre el 11 y el 20 de enero en 1985. Queen, George Benson, Rod Stewart, Kiss, AC/DC y Yes fueron los cabezas de cartel, cada uno ocupando el primer puesto durante dos noches. Cerca de 1,4 millones de personas asistieron durante los 10 días de duración festival.

Otros artistas internacionales que asistieron fueron: Bon Jovi, Iron Maiden, Scorpions.

Actualmente, el Rock in Rio es uno de los festivales más grandes de música Rock y Pop, habiéndose celebrado su última edición en Madrid, los primeros días de junio de este año.

Ana Román.

El Rock Progresivo.

2010-06-23T13:45:00.010+02:00

En esta entrada repasaré los orígenes y su evolución de este género desconocido para mucha gente pese a su antigüedad.

El Rock Progresivo tiene sus orígenes en 1967 cuando The Beatles incorporaron una gran banda para su album “Sgt. Pepers” y su canción “All you need is love” y, por otra parte, debuta Pink Floyd con “The piper at the gates of dawn", aunque muchos consideran este álbum como rock psicodélico. Otros de los pilares de este rock fue el grupo Yes.

Es una música europea en su nacimiento, que pretende acercarse a los grandes músicos clásicos y que admira a compositores de música electrónica como Boulez y Stockhausen. Es una música que no busca ritmos bailables, sino que se pretende que sea escuchada y visualizada. El instrumento iguala o predomina sobre la voz (Toni Garcia). El teclado reemplaza el símbolo por excelencia del rock: la guitarra. El Long Play se impone al Single permitiendo sobrepasar los 3'-5' minutos de cada tema. El rock sinfónico utiliza arreglos recargados y letras basadas en la mitología, menciones futuristas, cósmicas, apocalípticas, etc…

Dentro del rock sinfónico podemos encontrar las siguiente variantes: la introspección (King Crimson), la experimentación psicodélica (por ejemplo Pink Floid), el virtuosismo individual (Emerson, Lake & Palmer), el expresionismo bucólico (Genesis) y la fantasía (Yes).

El "rock psicodélico" es el "padre" del progresivo, pues en los años sesenta y en plena efervescencia del fenómeno hippy, surge esta tendencia onírica, de composición caótica, caracterizada por la experimentación y la improvisación (ayudada por la ingestión de drogas alucinógenas) y de extravagante sonido.

Como antecedentes podemos citar al grupo The Pretty Things cuya ópera rock “S.F. Sorrow” precedió por un año a “Tommy” de The Who Tambien hay que tener en cuenta las grandes epopeyas musicales, basadas en la música folclórica inglesa, de Jethro Tull. Otro grupo británico clave de finales de los 60s fueron: The Soft Machine, quienes incorporaban jazz y dadaísmo en su rock pesado sicodélico.

Pero la declaración de intenciones, a quien se considera como los auténticos padres del género es el grupo Moody Blues con su album “Days of future passed”, en el que se empleó una orquesta sinfónica.
El ejemplo fue seguido por Procol Harum en su “A whiter shade of pale” inspirado en Bach.

El teclista de Yes, Rick Wakeman se dedicó de pleno al rock sinfónico, al igual que el trio Nice, capitaneado por Keith Emerson con sólida formación clásica, tambien se dedicó a estos menesteres. Cuando se disolvió el grupo se unió con Grey Lake de King Crimson y el bateria de Atomic Rooster llamado Carl Palmer que formaron el grupo Emerson, Lake & Palmer, la máxima representación de este género.
También en 1970 Deep Purple se apunto al grupo y grabó un disco con orquesta.

Genesis, capitaneado por Peter Gabriel, también practicó el género, que finalmente se libró de la orquesta con el hallazgo del mellotron, instrumento de teclado que accionaba cintas previamente grabadas capaces de reproducir secciones de cuerdas, metales y grandes corales.

Con la aparición de los sintetizadores, los músicos se quedan maravillados con su sonido puro y cristalino, lo que propicia la imaginación y fantasía de los compositores. Nace el rock cósmico, que tiene a su mejor representante en el conjunto King Crimson y su álbum “On the court of the Crimson King”. En el período que va de 1968 a 1970 cuando se configuran unas formaciones musicales que cambian el panoráma artístico. Es la aparición del fenómeno King Crimson lo que verdaderamente impulsa al género. Aunque la crítica no duda en que los Crimson -y concretamente su líder Robert Fripp- son los pioneros efectivos reales, se acepta que el fenómeno progresivo se debe a la acción de varios grupos. King Crimson, YES y Genesis, principalmente, son los que abanderan en esa época la novedad.

En 1970 habían marcadas subdivisiones dentro de la escuela del rock progresivo. Muchos de los grupos más respetados por los críticos se agruparon bajo la bandera del sonido Canterbury; encabezados por The Soft Machine, estos también incluían a Caravan, Hatfield & The North, y derivados de The Soft Machine como Matching Mole, Gong y los trabajos solistas de Robert Wyatt y Kevin Ayers. La música que estos grupos hacían era más ligera que la de los exponentes más exitosos del género, y también tenían muchas veces un sentido del humor que los grupos famosos no estaban dispuestos a mostrar.

El rock sinfónico fue el padre de los movimientos que actualmente se conocen como chillout, ambient, new wave... Productos casi siempre de obras unipersonales como las de Mike Oldfiel y su “Tubular Bells” y los de Jean-Michel Jarre “Equinose”, “Oxigene”… intentos que no gustaron a los críticos musicales. Estos músicos han sido recuperados hoy por la denominada música “chillout” que se escucha sobre todo en los cafés, pups y grandes macrodiscotecas de Ibiza.

Brian Eno con su música instrumental cada vez más abstracta. Recordar que Brian Eno viene de Roxy Music (glamour rock) y terminó haciendo grabaciones de rock vanguardista. Se le considera el padre de la múscia ambient. El álbum de Eno Ambient 1: Music for the Airports es objeto de culto entre los aficionados. Este productor compuso la música de inicio del sistema operativo Microsoft Windows.

Kraunt Rock: La escuela alemana encabezada por Can, Faust y Neu optó por separarse de la corriente de rock progresivo imperante y así a comienzos de los 70 surgió el Kraut Rock, pieza clave del avant garde europeo, que incorporaba sintetizadores y experimentación para construir bases rítmicas repetitivas.
En una etapa más recientes tenemos a los alemanes Kraftwerk con “Autobahn”, Amon Düul y Tangerine Dream tambien pertenecía a la escuela del “Kraut rock”, la cual tuvo influencia en los orígenes del New Wave. Tambien tuvieron repercusión internacional los holandes Focus, los griegos Vangelis y los italianos P.F.M. Estos conjuntos tambien son escuchados en las sesiones de música chillout.

En los años ochenta se produce una decadencia del rock progresivo, y King Crimosn, Yes y Camel, más que rock lo que hacen es “pop progresivo”. En esta época surge con vigor la música techno y el pop electrónico, pero gracias a Fish, líder de Marillion, sobrevive el rock progresivo. Otros grupos que siguieron el ejemplo fueron Twelfe, Night, Palla, Iq y Pendragón.
En los años noventa regresa Yes con un buen album titulado “Unión King Crimson” que aporta nuevas ideas.

Pero los renovadores serán otros grupos más jóvenes integrados en el metal-progresivo: los americanos Dream Theater y Symphony X influídos por la agresividad del hard-rock. Otros basan su música en la experimentación electrónica como Radiohead y Tool. Más comerciales serán The Flower Kings, Arena, Transatlantic, Ozric Tentacles y Spock’ Beard. Dentro de la música por ordenador tenemos al grupo japonés Yellow Magic Orchestra.

GENESIS

Pre - Genesis (1963-1968): Tres estudiantes de la escuela secundaria Chartehouse Godalming (Inglaterra), Peter Gabriel , Tony Banks y Chris Stewart, crearon el grupo musical "Garden Wall", inspirados en la música que escuchaban. En 1966 deciden juntarse con otro grupo de su colegio, "The Anon", creando "The New Anon". Este grupo llamó la atención de su también compañero de escuela Jonathan King, joven productor quien los promovió en la disquera Decca, con la que firmaron su primer contrato en 1968.

Inicios: 1968–1969: El nombre del grupo, dado por Jonathan King, alude al Génesis, primer libro de la Biblia (Al principio se llamaban From Genesis to Revelation, como su primer disco, debido a que en America existia un grupo con el mismo nombre. Tras lanzar el disco, lograron convencer a la disquera) Sus composiciones de ese breve período fueron lanzadas como su álbum debut From Genesis to Revelation (es decir, "Del Génesis Al Apocalipsis") en 1969. Sin embargo, King no les trae ningún beneficio, por lo cual deciden abandonarlo.

Más tarde conocen a otro productor, Tony Stratton Smith, con el que graban su segundo álbum, Trespass, con John Mayhew a la batería. Una vez terminado el disco, Anthony Phillips decide abandonar el grupo por miedo escénico, que le impedía cumplir con las obligaciones de músico en las giras que realizaban, con él se va John Mayhew.

Época Peter Gabriel (1970–1975): Para sustituir a Anthony Phillips y John Mayhew ingresan el baterista Phil Collins y el guitarrista Steve Hackett, cuya presencia contribuye a definir el sonido característico del grupo, como se aprecia en el siguiente álbum, Nursery Cryme. Comienza así un período de extraordinaria creatividad en el que el aspecto genuinamente teatral de sus actuaciones en vivo (cambios de vestuario, maquillaje y la particular interpretación de Gabriel como vocalista y showman) cobra tanta importancia como el musical, como puede observarse en la puesta en escena de temas tales como "The Musical Box". Las composiciones tienen la complejidad de las de otras bandas de rock progresivo.

Las letras narraban principalmente historias de fantasía, futuristas y críticas sociales. Los conciertos estaban saturados de efectos de video y sonido, principalmente de innovadores elementos visuales como luces tipo lásers.
El siguiente disco de estudio, Foxtrot, confirma el estilo definido, con gran complejidad musical y literiaria y cerrado seguramente por una de las mejores composiciones de la historia del rock sinfónico: Supper's Ready considerada por algunos críticos como una de las cinco mejores canciones del rock progresivo de todos los tiempos.

Esta primera etapa se concluye con la edición de un disco en vivo, titulado Genesis Live donde se registraron algunos de los temas que conforman los discos mencionados hasta aquí. Disco ideado como agradecimiento al público alemán por su acogida en la gira realizada por Europa, debía haber salido tan solo en ese país. Sin embargo, la demanda desde otros lugares fue tan alta que finalmente se editó a nivel mundial. Una prueba del disco llegó a fabricarse como álbum doble, incluyendo el mencionado Supper's Ready.
El álbum siguiente, Selling England by the Pound, si bien siguió esta misma línea, demostró una madurez extraordinaria de la banda lo que hizo que sea considerado por muchos el disco más representativo del período de Peter Gabriel en Genesis. Incluye, anecdóticamente, un tema cantado por Phil Collins, "More Fool Me".
El lanzamiento del ambicioso LP doble llamado The Lamb Lies Down on Broadway a finales de 1974 marcó la última participación de Peter Gabriel en el grupo. El disco es un álbum conceptual donde Gabriel relata extraordinariamente la historia de Rael en busca de su hermano. Salvando The Carpet Crawlers, no hay en él temas que hayan logrado gran relevancia comercial, en lo cual coincide con toda la etapa Gabriel. No obstante, debe tenerse en cuenta que se trata de una obra bisagra para el Rock mundial, tan solo comparable con otras tales como Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de The Beatles , Dark Side of the Moon de Pink Floyd , In the Court of the Crimson King, de King Crimson o Tommy de The Who.

En Agosto de 1975, al terminar la gira de presentación de este disco, Gabriel anunciaría, por motivos personales, el abandono de la banda, cerrando la brillante etapa inicial, que nunca volvió en los años siguientes. Pueden considerarse de transición los dos discos siguientes, todavía con Steve Hackett en la formación, sumados al disco en vivo grabado durante las giras de presentación de los mismos, titulado Seconds Out, y que resulta verdaderamente extraordinario.

Época Phil Collins: 1976–1996: Ante rumores de separación definitiva se realizaron audiciones para reemplazar al cantante, lo cual parecía una tarea destinada al fracaso. En los ensayos de los temas compuestos para el nuevo disco, ante la ausencia de vocalista, fue el segundo cantante de la anterior etapa, Phil Collins, quien ensayó las voces, convenciéndose el grupo de que podía ser una opción razonable, apoyado para el directo con su experiencia como actor teatral en sus años adolescentes. A pesar de todo, en la primera gira de 1976, se puede constatar cómo Hackett o Rutherford llevan la voz cantante en la conexión con el público, con un Collins aún no fogueado en las lides de ser frontman de una gran banda.

La banda regresó a los estudios como un cuarteto en octubre de 1975 para comenzar su nuevo álbum. El resultado fue A Trick of the Tail, que llegó a ser número tres en Inglaterra y número 31 en Norteamérica (el mejor puesto conseguido por un álbum de Genesis hasta entonces). El éxito confundió completamente a algunos críticos que no podían concebir a Genesis sin Peter Gabriel. Para las presentaciones en vivo, el grupo contrató a un baterista, ya que Phil Collins debía cantar. Bill Bruford, antiguo miembro de Yes y King Crimson, se unió al grupo durante unos meses en 1976, sin que la reunión llegara a cuajar más allá. Es el batería de Weather Report y miembro de la banda de Frank Zappa, Chester Thompson, quien llega como batería para quedarse durante las dos siguientes décadas.

Durante la gira Steve Hackett anunció su partida del grupo, considerando que su peso específico como compositor en la banda no era el adecuado, aunque manteniendo una buena relación con los demás. Esto se demostró en su primer disco en solitario en 1975, aún en paralelo a Genesis, Voyage of the Accolyte, en el cual Collins y Rutherford tuvieron un papel fundamental, hasta el punto de considerarse por algunos críticos como "el disco que Genesis debió sacar tras la partida de Gabriel". Se contrató a un nuevo guitarrista, Daryl Stuermer, para proseguir las giras americanas y europeas, que realmente se ocupaba también del bajo en algunos temas, en los que el propio Rutherford tomaba el papel de guitarrista.

Cambio de sonido: La partida del guitarrista de los solos extraordinarios produce un nuevo cambio en el sonido de la banda. La complejidad artística que había logrado su cumbre en 1973-74 desaparecería para siempre, dando inicio a una etapa caracterizada por canciones rítmicas, y no tanto por la elaboración musical y el vuelo interpretativo.

En 1978, un Genesis reducido a trío lanzó And Then There Were Three (Y Luego Quedaron Tres), álbum con el que el grupo inicia una etapa mucho más comercial, obteniendo un relativo éxito en las radios con el tema Follow You, Follow Me. Aunque la banda todavía mantuvo algunas pocas características del rock progresivo en el contenido de este álbum, la accesibilidad de su propuesta musical iba en aumento.

La exitosa carrera como solista de Phil Collins y su vida familiar lo llevó a abandonar el grupo en 1996. Sin embargo, la banda aún logra lanzar en 1997 el disco Calling All Stations con Ray Wilson como cantante principal. El disco se vendió bastante en Europa y el sencillo "Congo" alcanzó la posición 29; pero ni los críticos ni los fans se preocuparon por el disco en Estados Unidos, en donde se vendió poco y no tuvo éxito. La gira en EE.UU. fue cancelada por eso. Tras finalizar la gira europea, los dos miembros originales despiden a Wilson y deciden retirarse temporalmente.

Aunque nunca perdieron el contacto, realizando incluso una pequeña actuación en 2004 como trío, es este año el momento de la reunión de la formación más estable de la banda, con Thompson y Stuermer acompañando a Banks, Collins y Rutherford. Entre junio y octubre del año 2007 Genesis desarrolló la gira "Turn It On Again", devolviéndolos a los escenarios. Los ex integrantes de la época dorada, Peter Gabriel y Steve Hackett, no participan en esta gira, aunque Hackett ha manifestado en diversas ocasiones su disposición a estudiar una posible unión, y Gabriel asegura que no excluye la posibilidad de unirse a ellos de nuevo, pero en el futuro, pues actualmente quiere concentrarse en su propio trabajo.

PINK FLOYD

Orígenes: Pink Floyd surgió en 1964 a partir de una banda llamada Sigma 6,6 que cambió su nombre sucesivamente a T-Set, Megadeaths, The Screaming Abdabs, The Architectural Abdabs y The Abdabs. Tea Set coincidió en un concierto en Northolt, a las afueras de Londres, con una banda con el mismo nombre que iba a actuar en el mismo lugar. Ante esta circunstancia, Barrett sugirió otro nombre para el grupo, The Pink Floyd Sound, que provenía de la combinación de los nombres de dos músicos de blues, Pink Anderson y Floyd Council.

The Pink Floyd Sound se acabó por imponer. El Sound se desvaneció con bastante rapidez, pero el The sería utilizado regularmente hasta 1968. Las producciones inglesas de la banda durante la era de Syd Barrett eran acreditadas como The Pink Floyd así como sus primeros dos sencillos en los EE.UU. Se sabe que David Gilmour continuó refiriéndose al grupo como The Pink Floyd hasta 1984.

La era de la experimentación: Sin la presencia de Barrett; Gilmour, Waters y Wright se hicieron cargo de las riendas creativas del grupo, cada uno aportando su voz y sonido en sus nuevas producciones, pero dándole a los nuevos materiales menos consistencia que en la era Barrett. Si Barrett había sido el intérprete principal durante los primeros años, en la época siguiente Gilmour, Wright y especialmente Waters, se convirtieron en los principales compositores y voces dentro de la agrupación. Algunas de las composiciones más experimentales del grupo datan de esta época, como «A Saucerful of Secrets» —que consiste en su mayoría en ruidos, efectos sonoros, percusiones, osciladores y tape loops— o «Careful with That Axe, Eugene».
A pesar de que Barrett había escrito la mayor parte del primer álbum, sólo una composición suya, «Jugband Blues», apareció en el segundo álbum de Pink Floyd. Barrett también participó en las canciones «Remember a Day».
El álbum aún contenía mucho del sonido psicodélico que le había impreso su antiguo líder, combinado con un estilo más experimental, que alcanzaría su pleno desarrollo en Ummagumma. La pieza principal, de doce minutos de duración, se acerca a las épicas y lentas canciones por venir, pero el disco fue recibido fríamente por la crítica de esa época, aunque no así por los críticos actuales. Los futuros trabajos de Pink Floyd adoptarían más firmemente esta idea, enfocándose más hacia la composición a cada nuevo lanzamiento.

El siguiente trabajo de la banda fue un álbum doble titulado Ummagumma, que está formado por un disco en directo (grabado entre Birmingham y Manchester) y otro con temas nuevos de estudio. Cada uno de estos temas fue compuesto por uno de los miembros de la banda y ocupa la mitad de una cara de cada disco (unos 10 minutos cada uno). El título de este álbum significa «relación sexual» en la jerga de Cambridge. El disco de estudio es puramente experimental, con un largo tema de estilo folk («Grantchester Meadows», compuesta por Waters), la pianística y atonal «Sysyphus», coqueteos con el rock progresivo en «The Narrow Way», y largos solos de batería en «The Grand Vizier's Garden Party». Por último, «Several Species of Small Furry Animals Gathered Together in a Cave and Grooving with a Pict» es una canción de cinco minutos que presenta únicamente la voz de Waters cantando a diferentes velocidades, dando como resultado un sonido semejante al de pájaros y roedores. Varias de las canciones nuevas de este álbum ya habían sido interpretadas en el concierto grabado bajo el nombre de The Man/The Journey. Ummagumma fue el álbum más exitoso de la banda hasta aquel entonces, alcanzando el 5º lugar en el Reino Unido y el 74º en EE.UU.

Antes de editar su siguiente trabajo de estudio, la banda publicó un álbum recopilatorio, Relics, que contiene varios sencillos y caras-B junto con una canción original de Waters llamada «Biding My Time», que fue grabada durante las sesiones de Ummagumma. El grupo contribuyó a la banda sonora de la película Zabriskie Point, aunque la mayoría de sus composiciones fueron finalmente descartadas por el director del film, Michelangelo Antonioni.
La llegada de la fama mundial: Durante esta época, Pink Floyd se distanció de la psicodelia y se convirtió en una banda difícil de clasificar. Los distintos estilos de cada uno de los compositores confluyeron en uno único, que cristalizó en las dos obras más importantes de su discografía, para crítica y público: The Dark Side of the Moon (1973) y Wish You Were Here (1975). En ambas obras, Gilmour se convirtió en el principal vocalista de la formación, mientras que los coros femeninos y el saxofón de Dick Parry adquirieron especial relevancia. El ambiente de colaboración se había ido enfriando en la época anterior, hasta que Waters tomó el timón compositivo, en el aspecto musical y letrístico, en el disco The Dark Side of the Moon. La última colaboración de Wright como compositor y vocalista se dio en «Time» y «Shine on You Crazy Diamond», respectivamente, mientras que las aportaciones compositivas de Gilmour descendieron abruptamente hasta que Waters dejó la banda en 1985.

El sonido del grupo había sido más coherente en Meddle (1971). La canción «Echoes», de 23 minutos de duración, fue descrita por Waters como un «poema sónico» debido a sus constantes efectos de sonido y está considerada como una de sus mejores piezas. Este álbum ya posee el estilo característico de la banda que llevaría a su máxima expresión en discos venideros, y se eliminó la orquesta que tanto protagonismo tuvo en Atom Heart Mother. Meddle alcanzó el tercer puesto en el Reino Unido, pero la falta de publicidad por parte de Capitol Records en los Estados Unidos hizo que en este país sólo alcanzase el 70º.

El siguiente trabajo de la banda fue Obscured by Clouds (1972), grabado en Francia, y que conformó la banda sonora de la película La Vallé de Barbet Schroeder. Se convirtió en el primer top 50 para Pink Floyd en los EE.UU., además de alcanzar el sexto lugar en el Reino Unido. La letra de la canción «Free Four» fue la primera referencia en una canción a la muerte del padre de Waters en la Segunda Guerra Mundial, un tema que se estableció como recurrente en posteriores trabajos. Además, la canción «Childhood's End» fue la última contribución lírica de Gilmour en quince años, y está basada en el libro del mismo nombre de Arthur C. Clarke. Estilísticamente, es un álbum ligeramente distinto a su antecesor, Meddle, con canciones más cortas y con la reducción del uso de efectos sonoros para la creación de atmósferas, rozando en muchos casos el blues rock, el folk rock o el soft rock.

La publicación del superéxito The Dark Side of the Moon en 1973 marcó un antes y un después en la popularidad de la banda. Pink Floyd había dejado de editar sencillos desde 1968, cuando «Point Me at the Sky» fue publicado; sin embargo, «Money» rompió esta tendencia y alcanzó el 20º puesto en los EE.UU. Por su parte, el álbum se convirtió en el primer número uno de la banda en este país,convirtiéndose en uno de los más vendidos en la historia de los Estados Unidos, sobrepasando los quince millones de copias, y uno de los más vendidos en todo el mundo, con más de cuarenta millones. Además, permaneció en el Billboard 200 durante 741 semanas, récord en aquel momento, incluyendo 591 consecutivas desde 1976 hasta 1988, lo que significó otro récord mundial; se estima que alrededor de una de cada cuatro familias británicas posee una copia del disco en alguno de sus formatos. También se mantuvo en las listas británicas durante 301 semanas, aunque nunca superó el segundo lugar. En este álbum el saxofón adquiere un papel muy importante, expresando las influencias del jazz, especialmente visibles en Wright, lo cual, junto con el protagonismo del coro femenino, ayuda a diversificar la textura del álbum. A lo largo de éste se escuchan varias veces extractos de entrevistas a algunos ayudantes del grupo reproducidas de fondo. Las letras y el sonido del álbum intentan describir de algún modo las presiones que sufre el ser humano a lo largo de su existencia. Su portada, que representa en un prisma el fenómeno de la dispersión de la luz, fue ideada por Storm Thorgerson y Audrey Powell.

Después del éxito de The Dark Side, los miembros de Pink Floyd procuraron no hacerse repetitivos con respecto al rumbo musical que iban a tomar a partir de ese momento, preguntándose si serían capaces de continuar en los más alto de las listas de ventas. En una vuelta a sus comienzos experimentales, comenzaron a trabajar en un proyecto de álbum llamado Household Objects, llamado así porque las canciones iban a estar interpretadas con objetos caseros (como sierras, cubos de agua, martillos, gomas elásticas o copas). Sin embargo, el proyecto fue abandonado porque los integrantes de la banda decidieron que era mejor y más fácil tocar las canciones con sus respectivos instrumentos. No existen grabaciones definitivas de este proyecto, aunque algunos de los efectos obtenidos fueron empleados en posteriores trabajos.

Wish You Were Here, publicado en 1975, trata acerca de la ausencia de sentimientos humanos en el mundo de la industria musical, y también de la añoranza del antiguo miembro del grupo Syd Barrett. Conocido principalmente por el tema homónimo, el disco contiene también una extensa canción de 26 minutos dividida en nueve partes y dos pistas titulada «Shine on You Crazy Diamond», un tributo a Barrett en el cual la letra trata expresamente de las consecuencias de su salida del grupo. En una entrevista en el 2001 al canal BBC para grabar el documental Syd Barrett: Crazy Diamond, Wright dijo:

«Una cosa que realmente permanece en mi memoria, que nunca olvidaré; sucedió en las sesiones de "Shine On". Llegué al estudio y ví a ese hombre sentado al fondo del estudio, estaba tan lejos como tu lo estás de mí. Y no lo reconocí. Dije '¿Quién es este fulano detrás tuyo?' 'Ese es Syd'. Y simplemente me vine abajo, no lo podía creer... Se había afeitado todo el pelo... Es decir, hasta las cejas, todo... Iba de arriba a abajo, haciendo ruido con los dientes, era horroroso. Y, eh, yo estaba, quiero decir, Roger estaba llorando, creo que yo también; los dos estábamos llorando. Fue muy chocante... siete años sin contacto, y llegar entonces, cuando nosotros estamos haciendo esa canción en particular. No sé, coincidencia, karma, destino, ¿quién sabe? Pero fue muy, muy, muy potente.»

El Rock Progresivo en España:

El Progresivo español, al menos en lo que respecta a su etapa más fructífera,(1975-1982)estuvo absolutamente contaminado con otros estilos que le dieron en ocasiones un sello distintivo y un sonido único en el mundo. Pueden distinguirse cuatro tendencias en ese momento:

1. El rock sinfónico catalán; desplazado hacia el jazz rock, sumergido a veces de lleno en el mundo del fusion, con bandas como Iceberg, Gotic, Orquesta Mirasol, Secta Sónica, etc. Otras bandas fuera del ámbito de cataluña practicaron este estilo, como Guadalquivir o Imán.

2. El rock madrileño; influenciado por un sonido más "urbano" y "hard", menos sinfónico y mas directo, con bandas como Asfalto, Ñu, etc.

3. El rock andaluz; absolutamente contaminado de flamenco. Fue un movimiento único en el mundo que creó una forma distinta y distintiva de hacer rock progresivo. A veces menos complejo pero siempre muy personal, con bandas como Triana, Cai, Medina Azahara, Mezquita, etc.

4. El rock vasco: muy influenciado por la música popular, folk, etc. De tendencias acústicas, instrumentos de viento, formas suaves y voces femeninas en muchos casos.

Carmen Domingo

El Club 27

2010-06-22T00:14:00.001+02:00

El Club 27 ;27 Club; Forever Club...se trata de un grupo de influyentes músicos de rock y blues que fallecieron a la edad de 27 años, en gran parte debido a abusos de alcohol, drogas y, en algunos casos, suicidios o accidentes de tránsito.

Una de las superticiones relacionadas con este club es uso de un encendedor blanco, que atrae mala suerte. Se dice que esta superstición originó del hecho de que 4 de los 5 miembros de Club 27 (Cobain, Hendrix, Joplin y Morrison) poseían un encendedor blanco cuando fallecieron.

los miembros selectos que componen este club son cinco grandes del rock, empezando por el alma de los Stones, Brian Jones.

BRIAN JONES

Lewis Brian Hopkin Jones , mas conocido como Brian Jones, era un músico británico. Fue el miembro fundador, junto al cantante Mick Jagger y el guitarrista Keith Richards, de la banda de rock The Rolling Stones en 1962. Durante los primeros años de la agrupación fue su líder y principal instrumentista, destacando principalmente su influencia en los álbumes Aftermath y Between the Buttons.

Debido a su comportamiento errático y los roces con el resto de la banda, fue expulsado de la misma en 1969. Un mes más tarde fue hallado muerto en su piscina, siendo la version oficial el ataque de asma como causante de la muerte, version de los hechos muy discutida.

KURT COBAIN

Kurt Donald Cobain fue el cantante, compositor y guitarrista de la banda Nirvana.Cobain y Nirvana transformar la música popular en los años 1990, siendo una de sus canciones, Smells Like Teen Spirit, un himno generacional, y Cobain portavoz de la Generación X.

Kurt Cobain es considerado como "la última gran superestrella de rock", además de como "el último mártir del rock", por la figura tan icónica que representó para los jóvenes de su generación, además de por su talento como compositor, la influencia inconmensurable que dejo para generaciones de músicos posteriores, y por el mito que se ha creado en torno a su figura tras su muerte.
Kurt luchó contra la depresión, la bronquitis crónica y contra un intenso dolor físico debido a una condición estomacal crónica que jamás fue diagnosticada, de la cual buscó durante años la causa y lo afectó emocionalmente. Cobain se automedicó con heroína, tuvo su primer contacto con las drogas a finales de 1990, sin embargo la adicción se incrementó con el paso del tiempo.
El 8 de abril de 1994 el cuerpo sin vida de Cobain fue descubierto en una habitación encima de su garaje por un empleado de Veca Electric, Gary Smith. Con la excepción de una pequeña cantidad de sangre saliendo del oído de Cobain, Smith no había notado signos visibles de trauma, e inicialmente creyó que estaba dormido. tambien encontró lo que parecía ser una nota de suicidio. Una escopeta se encontró al lado del cuerpo y la autopsia concluyó que la muerte de Cobain fue el resultado de «una herida por bala infligida en la cabeza».

Además de la nota de suicidio oficial, hay una que por desconocidas razones Love no quiso revelar y quemó antes de que nadie pudiese leerla.
Aún no se ha comprobado el hecho de que se produjera un suicidio debido a falta de pruebas, ya que no se encontraron huellas digitales en la escopeta, pluma o nota suicida y durante la autopsia demostraron que Cobain tenia tres veces la cantidad letal de heroina en su cuerpo por lo que no era siquiera capaz de levantar el brazo.

JANIS JOPLIN

Janis Joplin fue una cantante de rock and roll y blues caracterizada por su voz y su espíritu rebelde.Fue un símbolo femenino de la contracultura de los 60 y la primera mujer en ser considerada una gran estrella del Rock and Roll. En 1995 ingresó al Salón de la Fama del Rock.
Se unió a la banda Big Brother and the Holding Company en 1966, logrando una combinación perfecta.
Actuó con su banda en el Festival de Monterey de 1967 junto con algunos grandes artistas del momento cómo Jimi Hendrix, The Mamas and The Papas, Jefferson Airplane, Otis Redding y The Who entre otros.

las críticas sobre ella fueron muy buenas, y la prensa se empezó a centrar más en ella que en el grupo, todos le decían que ella era demasiado buena para el grupo, había tensión entre ellos a causa del protagonismo de Janis y la fama, y ella quería hacer un estilo más blues y soul, se marchó de Big Brother and the Holding Company.

Con su nueva banda, "Kozmic Blues Band", salió su segundo disco, I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!, era una mezcla de rock, soul y blues, y recibió malas críticas.

En ese año, a causa de la presión, se enganchó a la heroína.Cada vez dependía más del alcohol y de la heroína pero sin embargo se había convertido en un símbolo de fuerza y de rebeldía para muchas mujeres de su época.
El 16 de agosto de 1969 actuó con enorme éxito en el festival de Woodstock.
A finales de 1969 la banda se separó. Albert Grossman, le propuso a Janis una nueva banda, la Full Tilt Boogie Band, y Janis, ya desenganchada de la heroína, pero no del alcohol, aceptó.

El 4 de octubre de 1970 había sido un buen día en el estudio, y para celebrarlo salió de copas con sus compañeros y se emborrachó. Según el estudio forense, murió a la 1:40 por sobredosis de heroína.su cuerpo fue descubierto unas 18 horas después. Todos quedaron sorprendidos, pues pensaron que Janis ya no consumía, y estaba en la mejor época de su vida.

Algunas circunstancias en torno a su muerte permanecen sin explicar. La droga que la mató era de una pureza extrema (tenía el 40% de pureza, mientras que lo común es que sea de sólo el 2%), las jeringuillas que usó desaparecieron de su habitación horas después de su muerte y se especula que pudo haber alguien más allí.
A las seis semanas de su muerte, salió el disco Pearl, en 1971, que fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. Como homenaje, se dejó el tema «Mercedes Benz» a capella, sin música, ya que fue la última canción que Janis grabó.

JIMI HENDRIX

James Marshall «Jimi» Hendrix fue un guitarrista, cantante y compositor estadounidense. Es considerado uno de los más grandes guitarristas de la historia del rock.Hendrix fue introducido en el Rock and Roll Hall of Fame en 1992.

1966 Había nacido la Jimi Hendrix Experience.

El sonido del trío se reveló como una novedad absoluta; desde las primeras exhibiciones en Europa, las visionarias escaladas sonoras de Hendrix sostenidas por la furiosa batería de Mitchell y de las líneas esenciales del bajo de Redding, crearon enorme impresión en el mundo de la música londinense, dando vida a un pasaje de voz sin precedente entre los artistas y grupos que animaban la escena del Swinging London en aquel entonces. La salvaje actitud "en vivo" del guitarrista creó suspiros angustiosos en artistas ya afirmados como Eric Clapton y Jeff Beck de los Yardbirds, y el aura que lo acompañaba le permitió muy pronto de entrar en el panteón de la música rock de la época, al punto que los músicos de The Who se empeñaron en que Hendrix aceptase una propuesta de su discográfica, la Track Records.

La consagración estadounidense en el Monterrey Pop Festival

En mayo de 1967, Are You Experienced? obtuvo una excelente respuesta de ventas en el viejo continente, interrumpiendo su propio ascenso al segundo lugar en la lista de éxitos británica por detrás de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles.

En junio de 1967, cuando el grupo fue invitado a la histórica edición del Monterey International Pop Festival considerado el evento de arranque del llamado "largo verano de amor" que popularizó al movimiento hippie en el mundo. La oportunidad se reveló extremadamente favorable para Hendrix: además de la importante repercusión que el evento tendría en todo el país norteamericano, su actuación sería inmortalizada en el documental que devendría tiempo más tarde del festival. La Experience no dejó escapar la ocasión y realizo una de las exhibiciones más aclamadas del evento, además de una entre las mejores de sus actuaciones en directo. En 40 minutos de concierto, Hendrix utilizó su Stratocaster en un modo hasta ese momento jamás visto, llegando a hacer mímica de actos sexuales, hacerla sonar con los dientes, por detrás de la espalda, contra el soporte del micrófono y hasta contra su amplificador causando un acople ensordecedor. Al término de la exhibición, para remarcar su furiosa necesidad de extraer nuevos sonidos al instrumento, le dio fuego con gas liquido para encendedores y la destruyó contra el palco y amplificadores en un éxtasis de feedbacks alucinantes.

La salvaje actuación del trío tuvo un enorme eco en todos los Estados Unidos.
El festival de Woodstock de 1969 fue seguramente uno de los eventos más representativos por el ingenio colectivo acarreado a la música de los años 60 y al movimiento flower power. En éste contexto, la actuación de Jimi Hendrix se convirtió en un verdadero y propio símbolo del festival, además del pensamiento pacifista de aquellos años. La exhibición del guitarrista estaba programada para el cierre del evento, la noche del 18 de agosto de 1969, tercero y último de aquellos "tres días de paz, amor y música". A La inmensa cantidad de fans de los tres días anteriores (más de 500.000 espectadores) se había reducido considerablemente y Hendrix terminó cerrando el recital delante de una audiencia (respetable pero decididamente inferior a las expectativas)
El hecho que más sobresalió en aquella histórica exhibición, fue la celebérrima transfiguración guitarrística operada sobre el tema The Star-Spangled Banner, himno de los Estados Unidos; Hendrix interpretó el tema en una manera salvaje mezclándolo con feroces simulaciones sonoras de bombardeos y ametrallamientos sobre los barrios de Vietnam, sirenas anti-aéreas y otros ruidos de batalla, todo únicamente usando su guitarra.

El 18 de septiembre de 1970, en Londres James Marshall Hendrix falleció bajo circunstancias que aún no han podido ser completamente explicadas. Esa noche estuvo hasta tarde en una fiesta y su noviaLas estimaciones médicas dicen que murió al poco tiempo. La causa de la muerte fue por asfixia causada por su propio vómito, al haber mezclado pastillas para dormir con alcohol. Monika Dannemann asegura en el testimonio original que Hendrix cogió nueve pastillas que le recetaba su médico para dormir, y los médicos atestiguan que el vómito fue provocado por la ingesta excesiva de alcohol. Dannemann acusó incluso que Jimi Hendrix aún estaba vivo cuando le subieron a la ambulancia, y que fue la negligencia médica causada en la ambulancia la que provocó que se ahogase con su propio vómito. No obstante, los agentes de policía y servicios sanitarios que lo encontraron en el apartamento, declararon que encontraron el cuerpo de Hendrix sin vida, e incluso que llevaba varias horas fallecido.

JIM MORRISON

James Douglas "Jim" Morrison Clarke (Melbourne, Estados Unidos, 8 de diciembre de 1943 – París, Francia, 3 de julio de 1971), fue un poeta, cantante y actor estadounidense, célebre por ser el vocalista del influyente grupo de rock psicodelico, The Doors.
En 1967 el grupo publicó su primer álbum llamado simplemente The Doors. Fue con el sencillo Light My Fire (escrito íntegramente por Robbie Krieger) que la banda tocó la estratósfera y se mantuvo varias semanas a la cabeza de popularidad en la revista Billboard, en el famoso Verano del amor de 1967.
se ha asegurado que Jim Morrison sufría un problema de TLP (Trastorno límite de personalidad, o BDP, Borderline disorder of personality). Esto le llevó a tomar drogas antes de cada concierto. Fue tanto el impacto que tuvieron en él las drogas, que hicieron que se volviera un experto en el tema, en especial con el peyote, interesándose en el chamanismo. Incluso escribió un tratado sobre las drogas.

Su actitud provocadora en escena, perturbando el orden público, hizo que sus conciertos fueran prohibidos en varias ciudades de los Estados Unidos. El 1 de marzo de 1969, a raíz de una actuación en la que algunos asistentes, aunque no hubo pruebas gráficas fehacientes, afirmaron que enseñó su pene y simuló una masturbación (entre otras cosas), fue llevado a juicio; en 1971, ante el riesgo de ser condenado a prisión, decidió abandonar la música y radicarse en París, donde se dedicaría por completo a su mayor inclinación: la poesía.
La tumba de Jim Morrison en el Cementerio Père-Lachaise, París.

Morrison abandonó la carrera musical en su momento de mayor popularidad, y cuando The Doors estaba convirtiéndose en el único grupo norteamericano que competía con éxito con las grandes bandas como The Beatles o The Rolling Stones.

El 3 de julio de 1971 Jim Morrison fue encontrado muerto en la bañera de su piso del Barrio del Marais en París, Francia, donde vivía junto a su pareja y amante, Pamela Courson. No hubo autopsia, pero se declaró que murió por un paro cardíaco, según su acta de defunción. Existen personas que ponen en duda la versión oficial de la muerte del músico, ya que las circunstancias fueron algo extrañas. Se dijo que el padre de Jim sacó el cuerpo de su hijo del cementerio para llevarlo a Estados Unidos, pero fuentes del Père Lachaise aseguran que nadie se puede llevar un cuerpo del cementerio sin que la administración del cementerio lo sepa. También se pone en duda su muerte, ya que sus tarjetas de crédito y pasaportes aún siguen vigentes, ya que poco tiempo antes de morir él así lo especificó en un testamento. Los únicos que vieron su cuerpo fueron su novia y un médico que ya no ejercía (lo que hace pensar en un soborno). Otras versiones dicen que murió de una sobredosis de cocaína (droga a la que era muy aficionado) en los lavabos del parisino Rock´n´Roll Circus y posteriormente trasladado a su casa.

El epitafio de Jim Morrison está escrito en griego antiguo (Kata ton daimona eaytoy) y se puede traducir como "cada quien su propio demonio".'
Jim Morrison consumía varios tipos de drogas: (LSD, cocaína, cannabis y peyote) y, según se dice, siempre defendió el uso de estas drogas psicoactivas. Sin embargo, jamás se inyectó heroína, principalmente porque tenía diagnosticada una fobia a las agujas, por la cual era imposible que se inyectara esta sustancia.Jim Morrison utilizó drogas naturales para alcanzar un punto de tranquilidad y paz tal y como lo había propuesto la comunidad hippie.

Varios años después de la muerte de Jim Morrison se realizaron muchas especulaciones: varias personas afirmaban haber visto al conocido "rey lagarto" en un café de París y también fue presuntamente visto en sitios de mala reputación de la ciudad de Los Ángeles vistiendo un atuendo de cuero completamente negro, aunque estos rumores nunca fueron comprobados. También se ha dicho que, después de su muerte, una persona que vestía como el cantante y alegaba ser él mismo, sacaba dinero con cheques a su nombre.

Ray Manzarek (el teclista de The Doors) declaró:
“Si existe un tipo capaz de escenificar su propia muerte – creando un certificado de muerte ridículo y pagando a un doctor francés – y poniendo un saco de ciento cincuenta libras dentro del ataúd y desaparecer a alguna parte de este planeta – África, quien sabe – ese tipo es Jim Morrison. Él sí sería capaz de llevar todo esto a buen puerto”.

Marta Sánchez

Freddy Mercury

2010-06-16T15:32:00.001+02:00

Ni su verdadero nombre fue Freddie Mercury, ni llegó al mundo en el Reino Unido, el país que le vio triunfar. Se llamaba Farookh Bulsara y nació el 5 de septiembre de 1946 en la isla de Zanzíbar (Tanzania), situada en la costa este de África y famosa por su producción de especias. Figura provocadora, versátil y carismática como pocas.

Nace Queen

Freddie insistió en renombrar a la banda y suya fue la idea de bautizarla como Queen. Al mismo tiempo, cambió su apellido artístico y se convirtió desde ese momento en Freddie Mercury. Tras las innovaciones, el trío probó con varios bajistas hasta que en 1971 se incorporó a la formación un personaje tranquilo y sosegado, John Deacon.

El logotipo, otra de las señas de identidad de Queen, fue también una creación del vocalista, que dejó patentes sus dotes como imaginativo diseñador. La imagen presentaba los cuatro signos del zodíaco de los miembros de la banda (dos leones por Roger y John, los dos leos del grupo, el cangrejo por el signo cáncer de Brian May y las ninfas que identificaban el signo virgo de Freddie) alrededor de una gigantesca Q y, sobre todo ello, el ave fénix, que saludaba el nacimiento del grupo de las cenizas de otras formaciones. También desde el primer momento fue Freddie el impulsor de la imagen visual de la formación, con su personalísima puesta en escena y su inconfundible vestuario.

La vida de excesos derivada de la fama y el éxito fue una leyenda que acompañó inevitablemente a Freddie Mercury y sus fiestas fueron siempre sonadas, pero también se reconoció al músico por ser un gran amigo de sus amigos. Hacia finales de los setenta rompió su relación sentimental con Mary Austin y comenzaron a surgir rumores sobre su cambio de orientación sexual. Los comentarios arreciaban apoyados por el cambio radical de imagen que mostró el músico hacia 1980. Cortó al mínimo su larga cabellera y se dejó crecer un gran bigote, imitando la estética gay muy de moda en los bares de San Francisco y que fielmente habían reflejado los famosos Village People.

El 9 de abril de 1985 llegó a las tiendas el adelanto de su primer disco de larga duración, el sencillo I was born to love you, y, tres semanas más tarde, se presentó el álbum Mr. Bad Guy, ambos editados por CBS Records. Los resultados comerciales fueron excelentes y el 13 de julio de ese mismo año los muchos seguidores de Mercury pudieron contemplar su memorable actuación durante el concierto Live Aid en el estadio de Wembley.

Un mes después, Mercury voló a Barcelona para conocer personalmente a aquella diva del bel canto que le cautivó años atrás. Monserrat Caballé recibió con agrado una casete con algunos temas del polifacético Mercury e incluso llegó a interpretar uno de ellos en el Covent Garden londinense. Un mes más tarde, comenzaron a trabajar en la edición de su disco conjunto, y a finales de mayo, ambos cantaron en directo el tema Barcelona en la discoteca Ku de Ibiza. El 8 de octubre de 1988 repitieron actuación en el festival La Nit de la Ciudad Condal, excelente presentación para el álbum Barcelona que se editó dos días después.

El triste final

Aquélla fue la última actuación en directo de Freddie Mercury. Aun sin anunciar la enfermedad, el deterioro de su estado físico era cada vez más evidente y Mercury se recluyó en su casa de Kensington, espaciando cada vez más sus apariciones. Ocultó su tragedia incluso a sus propios compañeros de grupo y tan sólo un día antes de su muerte anunció públicamente que desde 1986 padecía SIDA.

Murió en su cama a las siete de una fría tarde del día 24 de noviembre de 1991 como consecuencia de una neumonía que no pudo superar. Con tan sólo cuarenta y cinco años, el gran Freddie Mercury dijo adiós a la vida que tan intensamente había disfrutado.

Laura Perdices